Siavash Sufinejad
Multidisciplinary Artist, Architect & Designer
“건축을 전공한 그는 조각, 미러 조형, 텍스타일, 애니메이션, NFT에 이르기까지 다양한 매체를 넘나들며, 고대 문명과 신화, 상징적 아키타입을 디지털 시대의 감각으로 재해석해 왔다. 그의 작업에서 반복적으로 등장하는 ‘픽셀’은 단순한 디지털 요소를 넘어, 검열과 단절, 분절된 정체성을 은유하는 조형 언어로 기능한다. 동시에 거울, 직물, 금속과 같은 물질들은 관람자의 신체 감각을 직접적으로 호출하며, 보는 행위를 넘어 ‘느끼는 경험’으로 예술을 확장시킨다. 이번 인터뷰에서 시아바쉬 수피네자드는 자신의 예술 세계를 관통하는 시간성과 공간성, 물질에 대한 태도, 그리고 디지털과 물리적 세계가 교차하는 지점에서 예술이 수행할 수 있는 역할에 대해 이야기한다. 또한 중동과 아시아, 동양과 서양을 가로지르는 문화적 위치성 속에서 예술가로서 자신이 짊어지고 있는 책임과, 미래 세대에게 전하고자 하는 감각적·사유적 유산에 대해서도 솔직한 생각을 전한다.”
먼저 자기소개를 부탁드립니다. 현재 어디를 기반으로 활동하고 계시며, 건축, 조각, 텍스타일, 미디어 기반 작업으로 실천 영역이 어떻게 확장되어 왔는지도 함께 말씀해 주세요.
저는 이란에서 태어나 현재 런던을 기반으로 활동하는 비주얼 아티스트입니다. 그의 작업은 기억, 물질성, 기술을 중심으로 유연하게 확장되며, 건축을 전공한 배경과 디자인 분야에서의 실무 경험을 바탕으로 시각예술로 영역을 넓혀 왔습니다. 그는 과거와 현재를 연결하는 개인적인 작업 흐름을 구축하며, 성찰적이면서도 역동적인 대화를 만들어가는 데 관심을 두고 있습니다. 조각, 미러 조각, 애니메이션, NFT, 텍스타일 기반 작업 등 다양한 매체를 통해 전통적인 재료와 동시대적 기술이 공존할 수 있는 방식을 탐구하고 있습니다. 최근 작업에서는 ‘픽셀’이 핵심적인 요소로 등장하는데, 이는 처음에는 디지털 시대를 상징하는 기호로 시작해 점차 검열과 분절된 정체성을 은유하는 개념으로 확장되었습니다. 이러한 접근은 특히 그의 Self-Portrait 시리즈에서 두드러지며, 동시에 앞으로의 작업 방향을 향한 연결 고리로 기능하고 있습니다.
디자이너님의 작품에서는 빛, 반사, 기억, 시간성이라는 주제가 반복적으로 등장합니다. 거울, 텍스타일, 금속, 질감 있는 표면과 같은 재료를 다룰 때, 관람자에게 어떤 감정적 혹은 감각적 경험을 전달하고자 하나요?
저에게 재료를 다룬다는 것은 곧 감각을 다루는 일이며, 감각은 곧 의미와 동등한 위치에 있습니다. 거울, 텍스타일, 금속, 그리고 질감 있는 표면은 각각 관람자의 이성적 해석에 앞서 신체에 먼저 반응하는 일종의 물리적 기억을 지니고 있습니다. 거울은 반사와 분절을 통해 관람자를 불안정한 자기 인식의 상태로 이끌고, 텍스타일은 신체와의 근접성과 촉각성을 통해 친밀함, 취약함, 그리고 기억의 감정을 활성화합니다. 반면 금속과 단단한 표면은 지속성, 시간성, 때로는 폭력성까지 환기시킵니다.
이러한 재료와의 감각적 만남은 제가 이해하는 시간 개념과 나란히 전개됩니다. 저의 시간 인식은 과거와 현재 사이를 끊임없이 오가는 움직임에 기반하고 있으며, 제가 만드는 모든 작업과 그 변주에는 역사적 계보가 내재되어 있습니다. 이 계보는 동시대적 접근을 통해 현재의 오브제로 재구성됩니다. 저는 과거 문명의 문화적·역사적 요소를 그대로 재현하거나 복제하기보다는, 이를 오늘의 언어와 담론 속에서 다시 읽고 재정의하는 데에 초점을 두고 있습니다. 결국 작품은 시간과 감각 사이에 존재하는 ‘중간 지대’로 기능합니다. 그 안에서 관람자는 끌림과 거리감, 평온함과 불안함 사이에 머무르게 됩니다. 이 지점에서 과거는 현재와 비판적이면서도 체험적인 관계를 맺게 되며, 작품은 ‘보는 것’에 그치지 않고 ‘느껴지는 경험’으로 완성됩니다.
고대 문명, 신화, 문자, 그리고 상징적 아키타입은 당신의 시각 언어 전반에 깊이 스며들어 있습니다. 이러한 원형적 요소들은 당신의 작업 안에서 어떻게 동시대적 개념으로 전환되나요?
저에게 고대 문명과 신화는 단순한 시각적 참고 자료가 아니라, 여전히 우리의 집단적 무의식 속에서 작동하고 있는 지적 구조에 가깝습니다. 저는 고대의 선, 기호, 아키타입을 향수의 대상으로 바라보지 않습니다. 오히려 그것들은 오늘의 맥락 속에서 다시 읽히고 해석될 수 있는 살아 있는 코드라고 생각합니다. 이러한 요소들이 현재로 번역되는 방식은 종종 대비를 통해 이루어집니다. 신화와 픽셀을 나란히 배치하거나, 고대의 선을 디지털 기술과 충돌시키고, 집단적 기억을 현대 사회의 검열이라는 현실과 마주하게 하는 식입니다. 이처럼 상반된 요소들을 병치함으로써, 과거는 단절된 시간이 아니라 현재와 긴장 관계 속에서 다시 호흡하게 됩니다.
제가 반복해서 인류의 기원으로 돌아가게 되는 이유는 아주 근본적인 질문 때문입니다. 인류는 가장 초기의 흔적부터 오늘에 이르기까지, 의미와 정체성, 그리고 영속성을 기록하고자 끊임없이 시도해 왔습니다. 저는 그 지속적인 욕망 자체에 깊은 관심을 가지고 있으며, 제 작업은 그 흐름을 동시대의 언어로 다시 연결하려는 시도라고 할 수 있습니다.
중동, 특히 이란은 유럽과 아시아가 교차하는 지점에 위치하며, 다층적인 문화사를 지니고 있습니다. 이러한 지리적·문화적 위치성은 당신의 예술적 정체성, 미적 감수성, 그리고 재료 선택에 어떤 영향을 미쳤나요?
저에게 이란은 단순한 지리적 장소가 아니라, 하나의 정신적이자 역사적인 상태에 가깝습니다. 동양과 서양, 과거와 현재, 찬란함과 상처가 교차하는 지점에서 살아온 경험은 제 시각적 감수성과 재료 선택 전반에 깊은 영향을 미쳤습니다. 이러한 문화적 층위는 섬세함과 폭력성, 장식성과 소거, 빛과 어둠처럼 서로 대비되는 요소들에 대한 제 관심을 더욱 강화시켰습니다. 제가 작업에서 사용하는 텍스타일, 미러 작업, 반복적인 패턴 역시 이러한 맥락에서 비롯된 것입니다. 작품이 런던에서 전시되거나 디지털 공간 안에 놓이더라도, 그 뿌리는 여전히 이 문화적 토양에 닿아 있습니다. 제 예술적 정체성은 어느 한쪽을 선택함으로써 형성된 것이 아니라, 이 다양한 층위들 사이에서 살아가며 자연스럽게 만들어진 것입니다.
아시아에서 활동하는 예술가로서, 저는 우리가 인류의 이야기와 서사의 일부를 계승한 존재라고 생각합니다. 이 유산은 오랜 시간에 걸쳐 문화와 문명의 형성에 기여해 왔으며, 결코 과거에만 머무는 것이 아닙니다. 그것은 오늘날에도 다른 지역, 특히 서구 세계와의 대화와 연결을 가능하게 하는 살아 있는 잠재력을 지니고 있습니다. 이러한 관점에서 볼 때, 문화 간의 관계는 대립이 아닌 친연성과 공존의 관계로 상상될 수 있습니다. 마치 자매와 형제의 관계처럼 말입니다. 그 안에서 예술은 인식과 경험, 그리고 역사적 이해를 전달하는 매개체가 됩니다. 저는 이 유산에 대해 책임감을 느낍니다. 그것을 향수적으로 재현하는 방식이 아니라, 동시대의 언어로 재정의하고 다음 세대에게 전달함으로써, 이 지식이 계속해서 살아 움직이고, 대화하며, 현재 속에서 다시 경험될 수 있도록 하는 것이 제 역할이라고 생각합니다.
디자이너님의 설치 작업은 공중에 매달린 조형물이나 벽면 기반의 구성 등에서 공간에 대한 섬세한 감각을 보여줍니다. 작업을 구성할 때 감정의 흐름, 빛의 움직임, 그리고 관람자의 위치와 동선은 어떻게 고려하시나요?
제 학문적 배경은 건축입니다. 그래서 저에게 공간은 결코 중립적인 그릇이 아니라, 서사의 핵심을 구성하는 하나의 요소입니다. 설치 작업을 설계할 때 저는 관람자의 신체가 어떻게 공간에 진입하는지, 어디에서 멈추게 되는지, 빛이 어떻게 이동하고 반사가 어떻게 변화하는지를 면밀히 고려합니다. 공중에 매달린 조형물, 벽, 거리감, 그림자 등은 단순히 작품을 전시하기 위한 장치가 아니라, 관람자의 경험을 이끄는 도구로 작동합니다.
공간은 시간을 늘이거나, 기억을 활성화시키거나, 때로는 관람자를 의례적인 상태에 놓이게 할 수도 있습니다. 이런 관점에서 공간은 의미를 전달하는 매개체를 넘어, 의미 자체를 생성하는 하나의 매체가 됩니다. 제가 작업을 통해 지속적으로 탐구하는 개념 중 하나는 ‘불확실성의 철학’입니다. 이는 작품 안에서 다양한 방식으로 드러납니다. 때로는 형태와 오브제를 공간 속에 부유시키는 방식으로, 또 때로는 거울을 활용해 관람자의 움직임과 시점의 변화에 따라 매번 다른 이미지가 생성되도록 합니다. 이를 통해 작품은 결코 고정되거나 단일한, 혹은 확정적인 이미지로 규정되지 않습니다. 일부 작업에서는 픽셀을 사용하기도 하는데, 이는 최종적이고 절대적인 의미에 도달하는 것이 본질적으로 불가능하다는 점, 그리고 인식의 과정은 언제나 형성되고 다시 정의되는 상태에 있다는 사실을 강조하기 위함입니다. 제게 공간은 이러한 불확실성과 변화를 가장 직접적으로 드러낼 수 있는 서사적 장치이자, 감각적 사유의 장이라고 할 수 있습니다.
디자이너님의 조형 작업부터 온라인 전시, NFT에 이르기까지 물리적 표현과 디지털 표현을 넘나들며 작업하고 있습니다. 기술은 예술적 감수성과 물질 기반의 작업에 어떤 방식으로 기여한다고 보시나요? 또한 앞으로 디지털 예술과 물리적 예술의 관계는 어떻게 변화해 나갈 것이라 생각하시는지요?
저에게 기술은 물질과 대립되는 것이 아니라, 그것을 확장하는 존재입니다. NFT와 애니메이션 작업을 경험하면서 저는 ‘작품’이라는 개념을 물리적인 오브제를 넘어선 것으로 인식하게 되었습니다. 픽셀은 디지털 요소인 동시에, 물질에서의 균열이나 절단, 혹은 표면의 질감처럼 삭제, 검열, 분절된 정체성을 은유하는 장치로 작동할 수 있습니다. 미래에는 디지털 예술과 물리적 예술 사이의 경계가 점점 더 사라질 것이라 생각합니다. 그 결과 남게 되는 것은 표현 매체가 아니라, 경험의 질과 개념의 깊이일 것입니다. 어떤 방식으로 제시되느냐보다, 관람자가 어떤 경험을 하게 되는지가 더 중요해질 것입니다.
동시에 저는 제 시대의 정신을 발견하고 이를 표현하고자 노력해 왔습니다. 선사시대의 인간들이 사냥이나 불 주변에 모이는 장면처럼 자신들이 관찰한 세계를 경험을 통해 표현했던 것처럼, 저는 오늘날의 환경을 관찰하며 디지털 시대의 ‘시대정신(Spirit of the Time)’을 찾고자 합니다. 수백 년 뒤의 사람들이 우리를 ‘디지털 시대의 인간’으로 분류하게 될 것이라는 전제를 저는 가지고 있습니다. 디지털 세계의 속도와 확장이 불러오는 두려움과 불확실성에도 불구하고, 저는 그것을 우리 시대의 정신으로 받아들이고, 그 안에서 제 예술 세계를 구축해야 한다고 느낍니다. 이는 우리가 이 시대를 살아가고 있다는 표식이며, 동시대적 경험의 렌즈를 통해 제 작업을 통과시키는 과정이라고 생각합니다.
디자이너님의 작품세계는 아시아와 중동 예술·디자인의 넓은 지형 속에서 의미 있는 교차점에 놓여 있다고 보여집니다. 당신의 관점에서 아시아 디자인이 글로벌 연결성을 심화하고 지역적 연대를 강화하기 위해서는 어떤 형태의 협업이나 문화 교류가 필요하다고 보시나요?
제 관점에서 동양 예술과 디자인의 글로벌 연결성을 심화시키기 위해서는 단순한 전시를 넘어서는 협업이 필요하다고 생각합니다. 공동 창작, 연구, 비판적 담론, 작품 교류, 그리고 지역의 예술가, 큐레이터, 연구자를 연결하는 플랫폼의 구축을 기반으로 한 협업이 필수적입니다. 또한 이국적인 시선으로 대상화하는 접근을 지양하고, 토착적 서사와 내부의 목소리를 강조하는 것이 독립적이고 강력한 정체성을 형성하는 데 중요한 역할을 합니다. 저는 지역의 복합성을 단순화하기보다는, 그 복합성을 드러내는 교류에 관심이 있습니다. 여기서 말하는 복합성이란, 역사적·문화적 깊이를 보존하는 동시에 이를 동시대적이고 글로벌한 언어로 재정의하는 것을 의미합니다. 동아시아 국가들, 특히 일본과 한국의 경험은 역사적·문화적 근접성을 지닌 중동 국가들에게 매우 중요한 참고 모델이 될 수 있다고 생각합니다.
예를 들어 일본의 안도 다다오(Tadao Ando)의 건축 작업은 전통과 지역적 정체성으로부터 출발해, 동시대적이면서도 세계적으로 공명하는 표현이 어떻게 가능한지를 잘 보여줍니다. 이러한 사례는 일본에만 국한되지 않으며, 한국, 중국을 비롯한 다른 동아시아 국가들에서도 유사한 접근을 발견할 수 있습니다. 이란, 이집트, 인도, 러시아, 터키와 같은 고대 문명을 지닌 국가들 또한 이러한 모델로부터 영감을 받을 수 있습니다. 뿌리 깊은 예술, 건축, 디자인의 의미와 본질을 동시대 세계에 적합한 언어로 재해석하는 것이야말로, 의미 있고 강력한 작업을 만들어내는 핵심이라고 생각합니다. 이러한 관점은 오랜 시간 제 연구와 강의의 방향을 이끌어 왔습니다. 현재 Asia Design Prize의 심사위원으로서 활동하고 있는 저는, 국제적이고 동시대적인 시각을 전통과 혁신의 맥락 속에서 연결할 수 있는 기회를 갖고 있습니다. 이를 통해 지역 예술과 디자인에서 협업과 교류의 중요성, 그리고 독립적이면서도 풍부한 목소리를 구축하는 일의 가치를 강조하고자 합니다.
마지막으로, 앞으로의 계획에 대해 공유해 주실 수 있을까요? 준비 중인 전시, 장기 프로젝트, 혹은 새로운 재료 실험이 있다면 들려주시면 좋겠습니다.
영국의 그레이터 맨체스터 대학교(Greater Manchester University)에서 활동을 시작한 이후, 저는 학기 프로젝트와 관련된 여러 이니셔티브의 방향을 동양, 특히 중동 지역으로 설정하는 데 집중해 왔습니다. 이러한 접근은 테헤란에서 아트 갤러리를 운영하고, 두바이에 위치한 자매 회사와 협업해 온 저의 예술 현장 경험과도 맞닿아 있으며, 학문적 환경과 전문 예술 현장을 연결하는 실질적인 교류의 장을 만들어 주었습니다. 이러한 맥락에서 저는 중동 지역에서 학생들의 작업과 아트 컴피티션 참가자들의 작품을 큐레이션하는 전시를 기획할 수 있는 위치에 있으며, 이를 통해 지역 전반의 문화적·예술적 교류를 확장하는 데 기여하고자 합니다. 더불어 제가 운영해 온 플랫폼인 Diar Academy는 오랜 시간 국제적 관점을 기반으로 지역 예술가와 문화 실천가들을 다큐멘터리 영상 콘텐츠를 통해 소개해 왔습니다. 이 플랫폼의 주된 목표는 다양한 문화적 서사가 가시화될 수 있는 공간을 만들고, 문화 간 대화를 강화하는 데 있습니다.
현재 Diar Academy가 그레이터 맨체스터 대학교의 프레임워크 안에서 본격적으로 작동하게 되면서, 저는 이 플랫폼을 동서양을 연결하는 하나의 다리로서 더욱 명확히 정의하고 강화하고자 합니다. 과거 아랍에미리트 지역에서 학술 기관과 문화 기관 간의 공동 프로그램을 기획하고 실행해 온 경험을 바탕으로, 이제는 영국 내에서 동양과 서양의 대학들을 효과적으로 연결하고, 이 대화의 장에서 적극적인 중개자 역할을 수행하고자 합니다.
Archive. Design. Essence.
