Eric Chan
O&O Studio 공동 창립자
“2018년 홍콩에서 설립된 O&O Studio는 Eric Chan이 이끄는 디자인 스튜디오로, 건축, 인테리어, 공공 설치, 가구, 제품 디자인에 이르기까지 ‘탈양식화와 지역화’라는 철학을 바탕으로 작업을 전개하고 있다. 홍콩과 상하이를 오가며 활동하는 이 스튜디오는 외부에서 규정된 미학을 적용하기보다 맥락에 대한 탐구를 통해 장소와 공동체에 잠재된 정체성을 발견하고자 한다. 특정한 형식적 시그니처를 반복하기보다, 그들의 작업은 과정 중심의 접근, 문화적 기억, 그리고 인간적 가치를 강조한다. 이번 대화에서 Eric Chan은 스타일을 제거함으로써 정체성을 드러내는 방식, 비가시적인 도시 기억을 재료적 언어로 번역하는 과정, 그리고 아시아 디자인 생태계 안에서의 새로운 크로스보더 협업 가능성에 대해 이야기한다.”
먼저 O&O Studio와 홍콩에서의 설립 배경을 간단히 소개해 주시겠습니까. 2018년에 스튜디오를 시작하게 된 초기 동기는 무엇이었으며, ‘Out and Outer’라는 장기적 비전은 오늘날까지 어떻게 작업에 영향을 미치고 있습니까?
O&O Studio는 홍콩을 기반으로 활동하는 다수의 수상 경력 디자인 스튜디오로, 2018년 Suzanne Li와 저, Eric Chan이 공동 설립했습니다. 스튜디오를 시작하게 된 초기 동기는 디자인이 단순한 형식적 결과물이 아니라, 환경과 문화에 깊이 통합되는 작업이 되어야 한다는 문제의식에서 비롯되었습니다. 우리는 ‘탈양식화와 지역화’를 핵심 철학으로 삼는 스튜디오를 지향했습니다. 이를 통해 지역의 기억과 인간적 가치에 응답하는 디자인을 구현하고자 했습니다. O&O라는 이름은 ‘Out and Outer’라는 비전에서 출발했습니다. 이는 기존의 경계를 넘어서는 태도와 더 넓은 사회적·문화적 맥락을 향해 확장해 나가는 시선을 의미합니다. 이 비전은 오늘날까지도 우리의 작업을 형성하는 기준이 되고 있습니다. 표준화된 해법이나 반복되는 형식에 의존하기보다, 각 프로젝트가 놓인 맥락과 공동체를 반영하는 고유한 형태 언어를 탐구하도록 이끌고 있습니다.
O&O는 ‘탈양식화와 지역화’를 핵심 태도로 설명합니다. 이 원칙은 실제 프로젝트 진행 과정에서 어떻게 의사결정의 기준으로 작동하며, 언제 ‘스타일을 제거하는 것’이 역설적으로 가장 강력한 정체성 구축 방식이라고 생각하는가.
‘탈양식화와 지역화’는 우리에게 단순한 슬로건이 아니라, 모든 프로젝트 단계에서 작동하는 구체적인 의사결정 프레임워크입니다. 실무적으로는 자동적이거나 유행처럼 보이는 시각적 충동을 먼저 의심하는 것에서 출발합니다. ‘이 프로젝트는 어떤 스타일을 채택해야 하는가’라는 질문 대신, ‘이 장소에 이미 존재하고 있으며 우리가 증폭해야 할 것은 무엇인가’라는 질문을 던집니다. 이 질문의 전환은 디자인 과정의 방향 자체를 바꿉니다.
우리는 의식적으로 선입견적인 스타일 취향을 제거합니다. 여기에는 우리 스스로의 과거 성공 사례도 포함됩니다. 그렇게 함으로써 장소, 브랜드, 혹은 공동체가 지닌 진정한 정체성을 드러낼 수 있는 여지를 만듭니다. 공간적 조건, 사회적 행태, 재료 문화, 역사적 층위를 면밀히 살펴봅니다. 이 과정을 통해 처음에는 중립적이거나 절제되어 보이던 요소들이 기억과 일상, 지역적 감수성에 뿌리를 둔 고유한 성격을 드러내는 경우가 많습니다. 그리고 그 성격이 형태, 동선, 재료 표현의 기반이 됩니다. 역설적으로, ‘스타일을 제거하는 것’은 정체성을 가장 강하게 구축하는 방식이 되곤 합니다. 디자인이 트렌드나 시그니처 미학에 의해 주도되지 않을 때, 결과물은 더 필연적이고 맥락에 뿌리내린 것처럼 느껴집니다. 그것은 주변과 경쟁하지 않고, 그 안에 속하게 됩니다. 이 접근은 장식이 아니라 적합성에서 정체성이 드러나도록 만듭니다.
이러한 의미에서 탈양식화는 표현을 지우는 것이 아닙니다. 맥락적으로 의미 있는 것만 남을 때까지 정제하는 과정입니다. 궁극적으로 우리는 지역 환경과 깊이 공명하고, 진정한 소속감을 만들어내는 작업을 지향합니다. 사용자가 공간 안에서 자신의 기억이나 문화의 단서를 발견하는 순간, 정체성은 시각적 브랜딩이 아니라 살아 있는 경험이 됩니다.
디자인은 엄격하고 일관된 프로세스에서 출발해야 한다고 강조했는데, 전략적 사고, 시각적 논리, 사용자 경험을 하나의 연속된 워크플로로 연결할 때, 반드시 유지하려는 핵심 단계나 질문은 무엇입니까?
우리는 엄격하고 일관된 디자인 프로세스가 선택 사항이 아니라 의미 있는 결과를 위한 필수 조건이라고 생각합니다. 우리에게 프로세스란 전략, 시각적 논리, 사용자 경험이 서로 분리된 단계로 덧붙여지는 것이 아니라, 하나의 연속된 시스템으로 작동하게 만드는 구조입니다. 이러한 일관성이 없으면 디자인은 단편화되거나 표면적 판단에 의해 쉽게 흔들릴 수 있습니다.
모든 프로젝트에서 반드시 유지하는 몇 가지 핵심 단계와 질문이 있습니다. 첫째, 우리는 항상 이렇게 묻습니다. ‘최종 사용자는 누구이며, 그들의 실제 요구는 무엇인가.’ 이는 단순한 인구통계적 분석을 넘어섭니다. 우리는 그들의 행동 방식, 습관, 감정적 기대, 그리고 공간이나 사물을 접하게 되는 구체적인 상황까지 이해하려고 합니다. 이 단계는 프로젝트의 전략적 기반을 형성합니다. 둘째, 우리는 ‘이 디자인은 맥락 속에 어떻게 통합되는가’라는 질문을 던집니다. 여기서 맥락은 물리적 환경뿐 아니라 문화적, 사회적, 역사적 층위를 포함합니다. 우리는 스케일, 동선 패턴, 지역의 정체성, 기존 공간 언어를 면밀히 분석합니다. 이를 통해 시각적 논리가 외부에서 부과되는 것이 아니라 장소로부터 자연스럽게 도출되도록 합니다. 셋째, ‘이 디자인은 어떤 서사나 가치를 전달해야 하는가’를 고민합니다. 모든 프로젝트는 브랜드 정체성, 지역의 기억, 혁신, 공동체 소속감 등 어떤 형태로든 암묵적인 이야기를 담고 있습니다. 이 서사를 명확히 하는 과정은 형태, 재료, 디테일을 보다 깊은 개념적 방향성과 정렬시키는 역할을 합니다. 마지막으로, ‘어떻게 기능성을 확보하면서 동시에 사용자 경험을 향상시킬 것인가’를 묻습니다. 기능은 결코 미학에 종속되지 않습니다. 우리는 사람들이 어떻게 이동하고, 상호작용하며, 머무르고, 공간을 경험하는지 평가합니다. 디자인이 직관적 사용성과 장기적인 편안함을 지원하는지, 단지 강렬한 첫인상에 머무르지 않는지를 반복적으로 점검합니다.
이 질문들을 개발의 각 단계에서 지속적으로 되짚음으로써 우리는 전략적 사고, 시각적 논리, 사용자 경험을 하나의 통합된 워크플로로 연결합니다. 이러한 규율 있는 구조는 스타일적 직관에 의존하기보다, 명확한 목적과 방향성을 지닌 창의성이 발현되도록 합니다.
홍콩과 상하이를 오가며 작업하며, 지역 맥락에 통합되고 ‘기억’, 인간적 가치, 도시의 정신에 응답한다고 말한다. 이러한 비가시적 층위를 형태, 동선, 재료 언어로 번역하기 위해 어떤 관찰과 리서치를 진행하는가.
‘기억’, 인간적 가치, 도시의 정신과 같은 비가시적 요소를 구체적인 형태, 동선, 재료 언어로 번역하는 작업은 깊이 있는 현장 관찰과 몰입형 리서치에서 출발합니다. 단순히 역사 자료를 조사하는 데 그치지 않습니다. 지역 공동체와 직접 관계를 맺고, 그들의 일상적 사용 방식을 관찰하며, 공간이 어떻게 자연스럽게 점유되고 있는지를 이해하는 과정이 중요합니다.
‘Siu Kai Fong’ 프로젝트는 이러한 접근을 잘 보여줍니다. 홍콩 노스포인트의 지역 정체성을 이해하기 위해 공공 부두를 여러 차례 방문했고, 온라인 자료 조사와 함께 지역 주민들과의 대화를 진행했습니다. 그 과정에서 주민들이 비공식적으로 가구를 가져와 공간을 사용하는 모습을 관찰했습니다. 이 장면이 중요한 단서가 되었습니다. 새로운 가구를 제작하는 대신, 지역 가정과 상점으로부터 의자와 테이블을 수집해 재활용했습니다. 각각의 가구는 그 지역의 개인적 서사를 담고 있었습니다. 일부 가구에는 QR 코드를 부착해 구술 기록을 들을 수 있도록 했고, 이로써 물리적 오브제가 곧 재료 언어가 되도록 했습니다. 투명 아크릴 지지대를 활용해 가구를 자유롭게 배치할 수 있도록 한 구조는 자연스럽게 동선을 형성했고, 즉흥적인 사회적 상호작용을 유도했습니다. 이는 기존 지역 공동체의 사용 습관을 반영한 설계입니다. 또한 바닥 그래픽은 홍콩의 오래된 텐먼트 건물에서 볼 수 있는 다채로운 타일 문양을 모티프로 삼아, 시각적으로도 지역 기억을 환기하도록 했습니다.
이와 같은 의도적이고 단계적인 리서치 과정을 통해, 도시에 단순히 배치되는 디자인이 아니라 그 도시의 정신과 인간적 가치에 실제로 공명하는 공간을 만들어내고자 했습니다.
스튜디오는 표준화된 해법을 적용하기보다, 고유한 형태 언어를 통해 각 프로젝트에 새로운 가치를 부여한다고 밝힌다. 어떻게 ‘새로운 언어’를 지속적으로 만들어내면서도 스튜디오의 일관된 기준을 유지하는가. 또한 의식적으로 반복하지 않으려는 것은 무엇인가.
각 프로젝트마다 고유한 형태 언어를 만들어내려는 우리의 태도는 ‘탈양식화와 지역화’라는 핵심 철학에서 비롯되었습니다. 우리는 과거의 성공 사례뿐 아니라 업계의 관습적 공식 역시 반복하지 않으려고 합니다. 그것이 프로젝트의 고유한 정체성을 제약할 수 있다고 생각하기 때문입니다. 이를 위해 가장 먼저 프로젝트의 본질과 맥락, 그리고 클라이언트의 비전을 깊이 있게 탐구합니다. 전략적 사고와 시각적 논리, 최종 사용자 경험을 통합하는 엄격한 프로세스를 유지하고 있습니다. 이 과정을 통해 기존에 내재된 스타일적 편향을 제거하고, 프로젝트에 가장 진정성 있는 표현을 발견하고자 합니다.
대표적인 사례가 Atelier Intimo 플래그십입니다. 란제리 브랜드의 경우 일반적인 ‘표준 해법’은 분홍색 계열과 레이스 장식처럼 전형적인 여성성 이미지를 사용하는 방식일 것입니다. 우리는 이러한 전통적 접근을 의도적으로 탈양식화했습니다. 고정된 성 역할의 이미지를 해체하고 여성성을 새롭게 해석하고자 했습니다. ‘Rebirth of the Scorched Earth’라는 개념 아래 마네킹과 디자인 개념을 결합하고, 브랜드의 정체성을 온전히 드러내는 일련의 아트 인스톨레이션을 개발했습니다. 그 결과 관능적이면서도 강인한 분위기를 형성할 수 있었고, 브랜드가 지향하는 현대적 여성상과 공명하는 새로운 언어를 만들어낼 수 있었습니다. 이는 기존 리테일 디자인의 관습에서 벗어난 시도였지만, 동시에 맥락에 기반한 고유하고 문제 해결 중심적인 접근이라는 스튜디오의 일관된 기준을 유지한 결과라고 생각하고 있습니다.
O&O의 작업은 건축, 인테리어, 공공 설치, 가구, 제품 디자인에 이르기까지 폭넓게 확장되어 있다. 공간 스케일에서 제품 스케일로 이동할 때, 변함없이 유지하는 디자인 원칙은 무엇이며, 의도적으로 버리거나 다시 쓰는 부분은 무엇인가.
건축과 인테리어 같은 큰 스케일에서 가구와 제품 디자인의 작은 영역으로 이동할 때에도 몇 가지 핵심 원칙은 그대로 유지하고 있습니다. 엄격한 프로세스, ‘탈양식화와 지역화’라는 태도, 그리고 새로운 가치를 만들어내는 고유한 형태 언어를 탐구하는 기준은 변하지 않습니다. 다만 그 적용 방식은 스케일에 맞게 정제하고 있습니다.
‘Pokermetric’이라는 East meets West 콘셉트의 포커 카드 세트는 이러한 전환을 잘 보여주는 사례입니다. 이 프로젝트에서는 건축적 사고를 제품의 본질 안에 직접 주입했습니다. 각 영어 알파벳과 아라비아 숫자를 대응하는 한자로 변환하고, 이를 건축 도면에서 사용하는 액소노메트릭 방식의 삼차원 구조로 구현했습니다. 이는 건축적 표현 원리를 소형 오브제에 적용한 사례라고 생각합니다. 이렇게 통합된 정체성은 고밀도 도시를 연상시키는 하나의 맵처럼 읽히며, 도시의 정신과 지역 맥락에 반응하려는 스튜디오의 태도를 압축된 형태로 담아냈습니다. 동시에 불필요한 장식을 배제하고 기본 색상 중심의 그래픽 단순성을 적용했습니다. 이는 ‘탈양식화’의 접근을 유지하면서 형태와 기능이 스스로 말하도록 한 결정이었습니다.
반면 제품 스케일에서 의도적으로 줄이거나 다시 쓰는 부분도 있습니다. 대규모 건축에 수반되는 광범위한 맥락 서사나 상징적 제스처는 축소합니다. 대신 상징의 밀도, 제작 정밀도, 응축된 형태의 균형감에 더욱 집중합니다. ‘Pokermetric’의 경우 인쇄 제작사와의 긴밀한 협업 역시 중요한 과정이었습니다. 색상 정합, 구조 구현, 디테일 완성도에 이르기까지 일관된 프로세스를 유지함으로써 작은 스케일에서도 우리의 비전이 정확하게 실현되도록 했습니다.
제품과 가구 프로젝트에서 특히 중요하게 보는 생산 현실은 무엇인가. 재료, 제작 제약, 지역 제조 역량, 허용 오차, 내구성 중 어떤 요소에 가장 주목하며, 품질과 정밀도를 지키기 위해 어디에서 가장 강하게 밀어붙이는가.
제품과 가구 프로젝트에서는 재료의 물성, 제작 기술, 그리고 정밀한 장인적 완성도의 상호작용을 가장 중요하게 보고 있습니다. 심미적 완성도와 기능적 내구성을 동시에 확보하기 위해서는 이 세 요소가 유기적으로 맞물려야 한다고 생각합니다. 특히 제품의 고유한 성격과 수명을 결정짓는 지점에서 품질과 정밀도를 가장 강하게 밀어붙이고 있습니다.
‘Yi Si’ 가구 세트는 이러한 태도를 잘 보여주는 사례입니다. 육각형 데스크와 벤치로 구성된 이 프로젝트에서, 데스크 상판은 내구성을 고려해 스크래치에 강한 무광 도장 합판을 선택했습니다. 그러나 진짜 도전은 다리를 구성하는 1.5밀리미터 너도밤나무 베니어 적층 구조에 있었습니다. 적층, 성형, 가공 과정 전반에서 목재의 결 방향을 정밀하게 제어했습니다. 특히 45도 접힘 각도에서 구조적 강도를 극대화하는 것이 핵심이었습니다. 이 과정의 정밀도는 구조적 안정성과 내구성을 확보하는 동시에, 접힌 외측 가장자리에서 형성되는 다이아몬드 패턴을 완성하는 데 결정적인 역할을 했습니다. 이 패턴은 단순한 장식이 아니라 디자인의 시각적 정체성을 구성하는 중요한 요소였습니다. 첨단 제작 기술을 적극적으로 활용하면서도 공정마다 세밀한 관리와 검증을 반복했습니다. 그 결과 가볍지만 견고한 구조를 구현할 수 있었고, 형태와 기능 사이의 균형을 정교하게 맞출 수 있었다고 생각합니다.
공공 공간 프로젝트 Meet’n Meal은 공동체와의 접점을 만드는 실천으로 주목받고 있다. 특히 Siu Kai Fong 프로젝트는 지역 정체성과 다음 세대에 대한 관점을 담은 사례로 평가된다. 이러한 주제를 메시지에 그치지 않고 실제 경험으로 전환하기 위해 어떤 구체적 디자인 전략을 사용했는가.
‘Siu Kai Fong’과 ‘Meet’n Meal’은 지역 정체성과 세대 간 연결이라는 추상적 주제를 실제 경험으로 전환한 사례라고 생각합니다. 우리는 개념을 시각적으로 설명하기보다, 사람들이 직접 사용하고 참여하는 구조를 만드는 데 집중했습니다.
홍콩 노스포인트의 ‘Siu Kai Fong’에서는 새로운 가구를 제작하지 않았습니다. 대신 지역 주민들로부터 약 50여 개의 의자와 테이블을 기증받아 사용했습니다. 식민지 시절의 공공 의자부터 오래된 마작 테이블까지, 각각의 오브제는 고유한 시간의 흔적을 담고 있었습니다. 여기에 QR 코드를 통합해 구술 기록과 연결함으로써, 사물이 단순한 가구를 넘어 기억의 매개체가 되도록 했습니다. 또한 투명 아크릴 지지대를 활용해 가구를 자유롭게 재배치할 수 있도록 했습니다. 그 결과 부두 위에는 자연스럽게 ‘도시의 거실’과 같은 장면이 형성되었고, 이는 자발적 상호작용을 유도했습니다. 바닥 그래픽은 홍콩의 전통 타일 문양에서 영감을 받아 구성해, 설치물이 지역의 기억과 시각적으로 연결되도록 했습니다.
‘Meet’n Meal’은 사이쿵 섬에 위치한 객가 마을 Yim Tin Tsai에서 진행되었습니다. 이 프로젝트는 모임을 상징하는 원형 테이블을 중심으로 구성했습니다. 형태는 섬의 소금 밭에서 착안했으며, 테이블 위에는 지역 구술 기록을 바탕으로 한 9가지 전통 객가 음식과 재료를 모자이크로 표현한 16개의 접시를 배치했습니다. 이 설치물은 역사적 마을 담장 앞마당에 놓였고, 말 그대로 지역의 음식 문화와 이야기를 ‘차려내는’ 구조가 되었습니다. 사람들은 테이블에 둘러앉아 대화를 나누고, 기억을 공유하며, 공동체의 시간을 다시 체험하게 되었습니다.
두 프로젝트 모두 ‘탈양식화와 지역화’라는 철학을 실천한 결과입니다. 문화적 맥락과 공동체의 참여를 물리적 구조 안에 직접 엮어 넣음으로써, 메시지가 아닌 살아 있는 공간 경험을 만들어내고자 했습니다.
앞으로 놀이터나 헤리티지 리노베이션과 같은 새로운 유형으로 확장하고 있다. 다음 단계에서 가장 탐구하고 싶은 주제나 질문은 무엇인가. 또한 아시아 디자인 생태계 안에서 의미 있는 크로스보더 협업을 가능하게 하는 조건은 무엇이라고 생각하는가.
새로운 유형으로 확장하면서 특히 관심을 두고 있는 것은 디자인이 과거와 현재를 어떻게 연결할 수 있는가라는 질문입니다. 지역 정체성과 공동체의 기억을 단순히 보존하는 것이 아니라, 오늘의 삶과 다시 연결하는 구조를 만드는 데 주목하고 있습니다. 최근 진행한 ‘The Siberian’ 프로젝트는 이러한 방향을 잘 보여줍니다. 홍콩 센트럴에 위치한 1967년 모더니스트 건물을 리노베이션하는 작업이었는데, 우리는 이를 철거하거나 대체하기보다 그 본질을 보존하면서 현대적 용도에 맞게 재해석하고자 했습니다. 건물의 시간성과 기억이 미래의 기능을 형성하도록 하는 것이 목표였습니다.
이 프로젝트에서는 지역의 기억, 인간적 가치, 도시의 정신을 건축 형태 안에 통합하려 했습니다. 이를 위해 ‘최소 개입 디자인’을 적용해 기존 요소를 세심하게 복원하면서도, 건물의 유산을 존중하는 현대적 개입을 더했습니다. 홍콩의 다세대 가족 사업과 의류 산업의 역사를 반영하는, 감정적으로도 깊은 의미를 지닌 작업이었다고 생각합니다. 우리는 이 공간이 앞으로 리테일 공간이나 작은 박물관 등 다양한 프로그램을 담아낼 수 있는 ‘빈 캔버스’가 되기를 기대하고 있습니다. 과거를 보존하는 데 머무르지 않고, 과거를 미래의 자산으로 전환하는 구조를 만들고자 합니다.
이러한 경험은 아시아 디자인 생태계 안에서 의미 있는 크로스보더 협업이 어떤 조건에서 가능해지는지에 대한 우리의 생각을 강화했습니다. 문화적 맥락에 대한 깊은 이해와 서로 다른 관점을 존중하는 태도가 전제되어야 합니다. 단순히 형식을 공유하는 것이 아니라, 각 지역의 역사와 가치에 대한 공감대를 형성할 때 협업은 더 깊은 수준에서 작동합니다. 그렇게 할 때 디자인은 독립적으로 기능하는 결과물을 넘어, 여러 층위에서 공명하며 공동체를 풍요롭게 하는 작업이 될 수 있다고 생각합니다.
Archive. Design. Essence.
