Teruaki Ishimoto 소장
“공간은 단순히 눈에 보이는 형태가 아니라, 그 자리에 축적된 시간과 공기가 만들어내는 감각의 층위다. 자연과 인공, 과거와 미래, 건축과 인테리어의 경계를 흐리고, 그 사이에서 발생하는 미묘한 긴장과 호기심을 공간의 언어로 삼아 온 작업은 오늘날 디자인이 향해야 할 또 다른 태도를 보여준다. 이번 인터뷰는 ‘好奇心(CURIOUS)’을 디자인의 출발점이자 종착점으로 삼으며, 대지의 텍스처와 현대의 기술, 그리고 인간의 정서를 하나의 공간 속에서 디자인하고 있는 CURIOUS DESIGN WORKERS의 이야기를 담았다.”
먼저 CURIOUS DESIGN WORKERS와 이시모토 소장님의 디자인 여정에 대해 소개 부탁드립니다. 건축과 공간 디자인을 중심으로, 지금까지 어떤 방향에서 작업을 이어오셨는지도 함께 말씀해 주시면 감사하겠습니다.
저희 디자인의 원점은 눈에 보이는 ‘형태’를 조형하는 일보다, 그 장소에 축적된 ‘시간’과 ‘공기’를 현대의 공간으로 어떻게 편집할 것인가에 있습니다. 저는 대학에서 지층과 대지의 생성을 연구하는 ‘지권환경(地圏環境)’이라는 분야를 전공했습니다. 수만 년이라는 유구한 시간 속에서 만들어지는 대지의 텍스처, 그리고 자연이 그려내는 정밀한 패턴에는 인간이 쉽게 대항할 수 없는 압도적인 아름다움과 강인함이 깃들어 있습니다. 이러한 ‘자연의 다이너미즘’을 건축이라는 인위적 행위로 전환하는 동시에, 그 대척점에 있는 ‘완전한 인공물’을 자연과 선명하게 융합시키는 것. 그 마찰에서 피어나는 공기감이 방문자의 호기심(CURIOUS)을 어떻게 자극하고 마음을 움직이게 하는가. 이것이 CURIOUS DESIGN WORKERS가 추구하는 내용이라 볼 수 있습니다.
일반적으로 건축(하드)과 인테리어(소프트)는 분리된 영역으로 다뤄지기 쉽지만, 저에게는 그 경계선이 존재하지 않습니다. 건축을 광대한 ‘지층’의 일부로 바라보고, 인테리어를 그 속에 깃든 ‘내포된 생명’으로 동시에 사고함으로써, 그 장소와 클라이언트에게만 존재할 수 있는 유일무이한 ‘오리지널 공기감’을 만들어 내고자 합니다. 단순히 아름다운 상자를 쌓는 것이 아니라, 자연환경을 디자인의 모티프로 재해석하고, 오감에 호소하는 풍요로운 공간을 엮어내는 일. 그리고 이 활동을 통해 일본의 인테리어 산업을 한 단계 확장하고, 자연이 풍부한 아시아 전체의 디자인 씬에 새로운 영감을 건네는 일. 그것이 제가 향하는 방향이라 생각하고 있습니다.
< EWALU, ASIA DESIGN PRIZE 2026 Gold Winner >
CURIOUS DESIGN WORKERS가 지향하는 공간 디자인의 핵심 철학에 대해 말씀 부탁드립니다. 특히 ‘curious’라는 이름에 담긴 태도와 사고방식이 실제 프로젝트에 어떻게 반영되고 있는지도 궁금합니다.
저희의 철학은 물리적인 ‘공간’을 세우는 일 이상으로, 그 안에 떠도는 ‘공기감(Atmosphere)’을 디자인하는 데 있습니다. 어떤 사람만이 지닌 고유한 기운, 어떤 장소만이 품은 고유한 맥락을 긍정적으로 해석하고, 눈에 보이지 않는 ‘무언가’를 형태로 만들어 내는 것. 저희는 단순한 설계사무소가 아니라, 클라이언트의 잠재된 ‘호기심(CURIOUS)’을 최대한 끌어내고 증폭시키는 촉매이고자 합니다. 이러한 태도는 용도를 가리지 않고 모든 프로젝트에 일관되게 관통합니다. 예컨대 Asia Design Prize 2024에서 Grand Prize를 수상한 주택 〈ARTBOX〉는, 일조 조건이 나쁘고 눈앞에 무기질적인 옹벽이 다가서는, 일견 부정적인 환경을 무대로 하였습니다. 그러나 저희는 그 벽을 거대한 뮤럴 아트(벽화)로 변모시켜 ‘인공의 풍경’을 창조하였습니다. 본래라면 닫아두고 싶을 창을 오히려 스스로 열고 싶어지게 만들고, 주택 밀집지에 있으면서도 빌라와 같은 개방감을 획득하는 것. 자연을 향유하는 것이 아니라, 인공물을 통해 ‘새로운 자연’을 재정의함으로써, 거주자의 일상에 선명한 호기심을 불러일으켰습니다.
또한 Asia Design Prize 2026에서 Gold Prize를 수상한 〈EWARU〉는 농업의 미래를 묻는 프로젝트입니다. 단지 쌀가루 빵을 판매하는 장소를 만드는 데 그치지 않고, 후계자 부족이나 경작 포기지와 같은 일본 농업이 마주한 엄중한 현실을 건축의 디테일로 치환하였습니다. 생산에서 가공, 판매에 이르기까지 일관되게 수행하는 클라이언트의 열량을 공간으로 전환함으로써, 방문자들이 농업의 중요성과 그 깊이에 가닿고, 새로운 호기심을 품게 되는 입구를 만들어 냈습니다. ‘호기심’에서 출발하여, 디자인을 통해 ‘새로운 호기심’을 사회로 전파해 가는 일. 이 순환이야말로 CURIOUS DESIGN WORKERS가 손 대는 프로젝트의 본질입니다.
프로젝트를 시작하실 때 가장 먼저 고려하시는 지점은 무엇입니까? 공간을 설계해 가는 과정에서 컨셉과 구조를 어떻게 정의하고 발전시키시는지 말씀 부탁드립니다.
저희가 프로젝트 초기 단계에서 가장 집중하는 부분은, 클라이언트 자신조차 아직 알아차리지 못한 ‘잠재 의식의 심층’을 파고 드는 일, 그리고 거기서 한 걸음 더 나아가 ‘미래의 시간축 속 호기심을 예측’하는 일입니다. 설계란 현재의 요구에 응답하는 것만으로는 충분하지 않다고 생각합니다. 사람의 취향과 감성은 시간의 흐름 속에서 변화하고 심화되어 갑니다. 지금은 아직 관심 밖이라 하더라도, 사용자의 라이프 스테이지와 사회적 맥락의 변화를 고려했을 때 앞으로 반드시 마음이 이끌리게 될 ‘미지의 호기심의 씨앗’을 미리 공간에 심어 두는 것이 저희 설계의 중요한 프로세스입니다. 그 상징적인 사례가 앞서 언급한 〈ARTBOX〉입니다. 계획 당시, 클라이언트가 반드시 아트에 강한 관심을 지녔던 것은 아니었습니다. 그러나 그분의 연령과 사회적 위치, 그리고 완공 이후의 라이프 스타일을 깊이 통찰했을 때, ‘머지않은 미래에 반드시 아트의 힘이 필요해질 것이다’라고 생각했습니다.
그래서 세계적으로 활동하는 아티스트를 초빙하여 건축 자체에 거대한 뮤럴 아트를 통합하는 제안을 드렸습니다. 이것은 단순한 장식이 아니라, 주택으로서의 자산 가치를 높이는 동시에, 클라이언트에게 ‘인생 최초로 소유하는 아트’가 건축 그 자체가 되는 경험을 디자인한 것입니다. 이처럼 저희의 컨셉 워크는 현재의 최적해를 구하는 데 그치지 않고, 몇 년 뒤, 몇십 년 뒤에 클라이언트가 ‘이 공간 덕분에 새로운 세계를 만날 수 있었다’고 느낄 수 있는 호기심의 로드맵을 그리는 일에서 출발합니다.
이번에 수상하신 EWARU와 lightwave 프로젝트는 각각 농업과 시간이라는 서로 다른 주제를 다루고 있습니다. 두 프로젝트의 ‘디자인에 이른 배경’과 ‘코어 컨셉’에 대해 말씀 부탁드립니다.
이 두 프로젝트는 대상은 서로 다르지만, ‘기존의 가치를 재정의하여 미래로 연결한다’는 공통된 철학 위에 서 있습니다.
【EWARU : 농업의 중요성을 가시화하는 ‘순환의 디자인’】
EWARU는 농업 법인이 생산, 가공, 판매까지를 수행하는 ‘6차 산업’의 거점으로 탄생했습니다. 제가 가장 중요하게 여긴 것은 단지 맛있는 빵을 파는 장소를 만드는 일이 아니라, 현대에 이르러 점차 희미해지고 있는 ‘농업에 대한 관심’을 어떻게 시각화할 것인가 하는 점이었습니다. 디자인의 핵심으로 삼은 것은 철저한 ‘지산지소(地産地消)와 순환’입니다. 농업에서 왕겨와 같은 부산물이 재이용되듯이, 건축 프로세스에서도 기초 공사에서 발생한 ‘잔토(殘土)’를 폐기하지 않고 인테리어의 의장으로 재구축하였습니다. 본래라면 버려졌을 흙이 공간에 유일무이한 표정을 부여합니다. 이 시도를 통해 매장 자체가 농업 순환의 한 조각이 되고, 방문자가 쌀가루 빵을 집어 드는 순간 그 배후의 대지의 영위와 농업의 존귀함을 직관적으로 이해할 수 있는 공간을 지향했습니다.
【lightwave : 역사를 정지시키지 않고, 빛으로 구동시키는 ‘갱신의 보존’】
한편 lightwave는 나고야 시 등록 지역 건조물 자산인 1915년 건축 ‘스기모토 가문 창고(杉本家蔵)’를 오더메이드 키친 쇼룸으로 재생시킨 프로젝트입니다. 역사적 건축물에 있어 저희는 단순한 ‘수선과 보존’이라는 방법을 취하지 않았습니다. 과거의 시간을 지키기만 해서는 건축은 화석화되고 맙니다. 그래서 역사의 축적이 잠들어 있는 육중한 공간에 ‘빛의 파동(light wave)’이라는 미래적 의장을 대담하게 삽입하였습니다. 낡은 것과 새로운 것이 충돌하고 융합하며 태어나는 새로운 에너지. 이는 역사를 단순한 ‘과거의 유물’이 아니라, 현대의 숨결을 불어넣음으로써 ‘미래로 이어지는 살아 있는 자산’으로 업데이트하고자 한 시도입니다. 빛의 파동이 낡은 창고의 벽을 비출 때, 사람들은 역사의 중요성을 일찍이 없었던 선명함으로 다시 자각하게 됩니다.
이 두 프로젝트를 통해 제가 표현하고자 한 것은, 자연과 역사라는 ‘이어받은 것’에 디자인의 힘으로 ‘새로운 호기심의 빛’을 비추는 도전입니다.
두 프로젝트에는 기존 문맥을 재해석한다는 공통점이 있습니다. 기존의 건축이나 산업의 내러티브를 공간으로 전환하실 때, 특히 중요하게 여기시는 기준에 대해 말씀 부탁드립니다.
기존의 문맥을 재해석하여 새로운 공간으로 전환하는 프로세스에서 제가 가장 소중히 여기는 것은, ‘제약을 창의성을 날카롭게 벼리는 필터로 간주하고, 그 부자유함으로부터 역설적으로 자유로운 발상을 이끌어 낸다’는 태도입니다. 건축에는 구조적 제한, 법규적 구속, 그리고 완공 이후의 유지 관리와 편의성 등 피할 수 없는 수많은 ‘제약’이 존재합니다. 그러나 저는 그것들을 디자인을 가로막는 장애가 아니라, 그 장소에만 존재할 수 있는 유일무이한 해답을 이끌어 내기 위한 가이드라인으로 여기고 있습니다. 제약이 엄격할수록, 그것을 절묘하게 빠져나간 자리에서 아직 본 적 없는 풍경이 펼쳐지기 때문입니다. 그 과정에서 제가 스스로에게 부과하는 독자적인 기준이 있습니다. 바로 ‘아트 미만, 디자인 이상’이라는 원칙입니다.
순수한 ‘아트’는 자기 완결적이고, 기능과 제약으로부터 자유로울 수 있습니다. 반면 단순한 ‘디자인’은 기능과 해결책으로 귀결되기 쉽습니다. 제가 지향하는 것은 그 어느 쪽도 아니거나, 혹은 그 양쪽을 모두 품는 경계선입니다. 구체적으로는 구조나 지속가능성 같은 현실적 과제를 해결한 바탕 위에서(디자인적 표현), 논리 너머에서 사람의 마음에 직접 호소하는 정서와 호기심을 흔드는 미지의 체험을 공존시키는 것(예술적 표현)입니다. 이 ‘예술적 표현과 디자인적 표현’이라는 절묘한 균형점을 포착하는 일이야말로, 기존의 이야기를 미래의 가치로 전환할 때의 저의 평가 기준이 되고 있습니다.
EWARU에서는 농업의 가치와 현실을, lightwave에서는 시간과 역사성을 다루고 있습니다. 이러한 개념들을 공간 경험으로 표현하실 때, 사용자에게 전하고자 했던 감정이나 체험에 대해서도 말씀 부탁드립니다.
제가 지향하는 것은 단순한 시각적 임팩트나 표층적 아름다움을 제공하는 일이 아닙니다. 방문자 자신의 ‘지적 호기심’을 조용히 흔들어, 그들 내면의 기억과 사유를 공간에 투영시킴으로써 비로소 완성되는 능동적인 체험입니다. ‘시간’이나 ‘역사’ 같은 개념은 본래 눈에 보이는 것이 아닙니다. 그러나 소재가 품어 내는 미세한 텍스처를 통해 사람들은 무의식적으로 과거의 기억을 풀어내고, 그곳에 쌓인 이야기를 상상하며, 현대와의 대비 속에서 지적 흥분을 느낍니다. 인간은 그렇게 세상을 이해하고 납득하는 일에 기쁨을 느끼는 존재라고 생각합니다. 그렇기에 제 설계에서는 역사적 문맥 속에 ‘현대 기술에 의한 미세한 위화감’을 의도적으로 심어 두고 있습니다.
그 희미한 위화감이 방문자의 사유를 ‘과거에 대한 향수’로 끝내지 않고, ‘이 건축은 앞으로 어떤 미래를 엮어 갈 것인가’라는 다음 질문으로 이끕니다. 과거로부터 현재를 물려받고, 다시 그 너머의 미래를 기대하게 만드는 것 이 ‘기대의 창출’이야말로, 건축이 시대를 넘어 살아남기 위한 가장 중요한 포지셔닝이라 생각하고 있습니다. 공간을 걷다가 문득 자신의 호기심과 이어지는 순간. 그 순간 피어나는 고양감이야말로 제가 사용자에게 건네고 싶은 체험입니다.
두 프로젝트에서는 ‘빛’, ‘구조’, ‘동선’과 같은 요소를 통해 공간의 내러티브가 구축되고 있습니다. 이러한 요소를 통해 공간의 의미를 어떻게 확장하고 계신지 설명 부탁드립니다.
저에게 있어 건축(하드)과 인테리어(소프트)를 분리하지 않고 사고하는 일은 디자인의 절대적인 전제 조건입니다. 공간을 찾는 사람은 그것들을 개별 요소가 아니라 하나의 ‘공간감’으로 온몸으로 받아들이기 때문입니다. 스케일, 소재, 빛이 모든 것이 얽힐 때 비로소 하나의 이야기가 태어난다고 생각합니다. 예컨대 ‘동선’을 설계할 때는 단지 효율적인 이동 경로를 고민하는 것이 아니라, 사람의 ‘동작’ 그 자체를 디자인합니다. 그곳에 있는 것은 안전을 확보하기 위한 기능적인 빛이 아니라, 어째서인지 그 빛에 이끌려 무의식적으로 보폭이 가벼워지고, 혹은 문득 걸음을 멈추고 싶어지는, 심리에 깊이 작용하는 ‘유입의 빛’이라 말할 수 있습니다.
또한 ‘구조’에 있어서는 단지 건물을 지탱하는 골조가 아니라, 사람의 행동과 사유를 부드럽게, 혹은 강인하게 감싸 주는 ‘관념의 공간’으로서의 소재감을 추구하고 있습니다. 안정감 있는 구조체가 그곳을 떠도는 섬세한 빛, 텍스처와 융합될 때, 그 장소만의 고유한 ‘공간감’이 태어납니다. 물리적 요소들을 통합하고, 일상적 루틴과는 조금 다른 움직임, 조금 다른 사유를 유발하는 일. 이 ‘미세한 행동의 변화’야말로, 공간의 의미를 단순한 ‘상자’에서 ‘체험의 무대’로 확장하고, 사람들의 일상을 선명하게 채색하기 위한 열쇠라고 생각합니다.
일본의 공간 디자인이 지닌 특성에 대해 어떻게 생각하시는지요? 또한 그것이 아시아 디자인의 흐름 속에서 어떤 의미를 지닌다고 보시는지도 말씀 부탁드립니다.
일본의 공간 디자인의 근저에는 예로부터 ‘소재를 살리는 것’을 아름다움으로 삼는 정신이 흐르고 있습니다. 그 땅에서 얻은 자재를 쓰고, 그 땅의 기후와 문화에 밀착된 공간을 쌓아 가는 것. 이 ‘지산지소’야말로 지속가능성의 본질이라 생각합니다. 그러나 전통과 소재의 아름다움에 지나치게 고착되는 것만으로는, 미래를 열어 가는 디자인으로 승화시키기란 어렵습니다. 그래서 중요해지는 것이, 제가 늘 의식하고 있는 ‘미세한 위화감’의 삽입입니다. 최첨단의 기술이나, 공간의 정의 자체를 뒤흔드는 인스톨레이션적 표현을, 조화를 깨뜨리지 않는 아슬아슬한 경계선 위에서 엮어 넣는다. 소재가 지닌 토착적 강인함과 현대적 감성이 만들어 내는 위화감을 공존시킴으로써, 단순한 과거의 재현이 아닌 ‘새로운 문화’가 움트게 된다고 생각합니다.
이 ‘계승과 혁신’을 동시에 수행하는 사고는 아시아 전체의 디자인 조류 속에서도 매우 중요한 의미를 지닌다고 봅니다. 급속한 발전을 이루고 있는 아시아 국가들에서, 낡은 것을 부수고 새것을 세우는 ‘스크랩 앤 빌드’의 시대는 저물어 가고 있습니다. 일본이 길러 온 ‘소재를 공경하는 마음’을 바탕으로 미래를 향한 질문을 던지는 ‘위화감’을 더해 가는 것. 이 접근을 아시아 전역으로 확장해 나감으로써, 각 나라가 지닌 역사와 정체성을 존중하면서 미래를 향해 끊임없이 갱신되는, 디자인의 새로운 스탠다드를 세울 수 있다고 생각합니다. 그것이야말로 저희가 아시아 디자인 커뮤니티에 기여할 수 있는 역할이 아닐까 생각합니다.
최근의 공간 디자인과 건축 분야에서 주목하고 계신 변화나 트렌드가 있다면 말씀 부탁드립니다. 특히 리노베이션, 지역성, 지속가능성의 관점에 대한 의견을 함께 들려주시면 감사하겠습니다.
현재 사회성과 지속가능성에 대한 배려는 디자인의 ‘전제 조건’이 되어 가고 있습니다. 그러나 본질적인 의미에서 그것들이 진정으로 풍요로운 문화로 뿌리내리기까지는 아직 조금의 시간이 필요하지 않을까 생각합니다. 왜냐하면 지속가능성이라는 개념은 때로 디자인의 자유도를 빼앗는 ‘제약’으로 마주 서는 측면이 있기 때문입니다. 기존 소재를 쓰고 환경 부하를 낮추려 할수록 표현의 폭이 좁아지는 딜레마가 생겨날 가능성을 품고 있습니다.
하지만 저는 이 상황을 오히려 ‘진화의 호기’로 받아들이고 있습니다. 기존의 문맥을 단순히 유지·지속시키는 데 머무르지 않고, 그곳에 전혀 새로운 수법과 이질적 미학을 덧붙임으로써 의도적으로 ‘새로운 디자인’으로 변이시켜 간다. 리노베이션에 있어서도 단순한 재생에 그치지 않고, 현대 기술에 의한 ‘덧씀(overwrite)’을 수행함으로써 과거를 넘어서는 가치를 창출한다. 제약이 있기 때문에 오히려 그것을 돌파하기 위한 ‘보다 도전적인 건축’이 태어난다고 생각합니다. 지속가능성을 ‘지키기 위한 규칙’에서 ‘새로운 아름다움을 낳기 위한 초석’으로 전환하는 사고. 이 태도야말로 차세대 건축 디자인을 발전으로 이끄는 열쇠가 될 것이라 생각합니다.
마지막으로 CURIOUS DESIGN WORKERS가 앞으로 지향해 가고자 하는 방향성과, 장기적으로 남기고 싶은 디자인적 가치에 대해 말씀 부탁드립니다.
저희가 지향하는 것은 건축의 규모나 용도를 가리지 않고, 그곳에 닿는 사람들의 ‘호기심(CURIOUS)’을 앞으로도 오래도록 흔들어 가는 공간을 만들어 내는 일입니다. 앞으로 특히 힘을 쏟고자 하는 것은 흙, 돌, 나무와 같이 아주 오래 전부터 존재해 온 건축 자재의 ‘재해석’입니다. 대지의 이 파편들에 현대의 테크놀로지와 저 나름의 감성을 겹쳐 놓음으로써, 단순한 회고가 아닌 ‘미래로 이어지는 의장’으로 승화시키고자 합니다. 수만 년의 시간 속에서 형성된 소재의 힘을 빌려, 지금 이 시대에만 새길 수 있는 풍경을 각인하는 일 — 그것이 저의 도전이라 생각합니다. 또한 앞으로도 건축과 인테리어 사이에 그어진 ‘효율을 위한 경계선’을 빠져나가며, 전문 분야라는 틀에 얽매이지 않고 그 둘을 하나의 ‘공기감’으로 동시에 사고해 나가는 일. 그것이야말로 정보 과잉의 현대에 사람들의 오감을 날카롭게 벼리고, 마음속 깊이 가라앉는 풍요로운 체험을 낳는 유일한 길이라고 생각하고 있습니다.
저희가 남기고 싶은 가치는 단순한 ‘형태’로서의 건축이 아닙니다. 그 공간이 그곳에 있다는 사실만으로 누군가의 호기심이 움트고, 사유가 움직이기 시작하며, 일상이 조금은 새로워지는 것. 그런 사람의 내면에 긍정적인 변화를 불러오는 ‘눈에 보이지 않는 공기감’이라는 유산을, 더 많은 사람들에게 전해가고자 합니다.
Archive. Design. Essence.
